Podemos encontrar infinidad de temones que protagonizarían esta sección (o ‘Hit & Dance’), pero nos hemos decantado por una balada de su segundo disco en 1968, Horizontal, pre Fiebre del Sábado noche y cuando no parían discos tan completos. Aún tenían algo de camino por recorrer, pero con ejemplos como Massachusetts poco les quedaba para erigirse como el gran grupo que es (Odessa, su primera gran obra, se publicaría al año siguiente). Una preciosa melodía muy sixties envolvía a la típica pero agradecida letra de la añoranza del hogar y el dilema de volver o que siga siendo un bonito recuerdo inquebrantable.

Más ‘Bigger than life’ en la lista de Spotify que recoge las canciones que han protagonizado la sección.

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Tercer disco. Muchos creen que el fatídico es el segundo. Se equivocan a medias, ya que aunque dos golpes de suerte no es lo normal, puede darse el caso. Pero el tercero marca la diferencia: si se trata de un triunfo no hablamos de algo fortuito; ahí hay talento. El problema viene cuando el segundo no estuvo a la altura; el tercero, por muy bueno, pasará desapercibido. Sin embargo en este caso el contexto es de recibimiento mediático y de público, no de verdadera valía musical, por lo que, conclusión, el tercero simboliza la consolidación de un grupo más allá de acaparar portadas en Rockdelux o que te pinchen en Razzmatazz. Los Punsetes están en ese momento, pero claro, posiblemente se plantearon si llegar a ese maldito número por la vía ya transitada o si tocaba aportar un nuevo aditivo a la fórmula. Porque consolidarse con el tercero haciendo exactamente lo mismo es harto complicado, y a veces nuevos aires se hacen necesarios.

En Una Montaña Es Una Montaña el sonido de la banda se vuelve más ruidista y menos conciso. Tanto es así que a veces resulta complicado entender a Ariadna, cuando las letras ocupaban un lugar preferente en sus composiciones. Y aunque la mala leche sigue vigente, se ha perdido esa precisión y parquedad vocal que cincelaba la lírica viperina de la que hacen gala. Ahora se pierden entre capas y capas de guitarras (y arreglos varios), que por otra parte aportan volumen y intensidad al sonido. Ya fue descacharrante escuchar la letra en el single Alférez provisional entrelazada con un sonido bastante más maduro y un tono hasta épico. Una delirante contradicción. Cuando destacaban por su actitud amateur ya presumían de letras como cuchillos; en este tercero quizás hayan dado un paso más en su teatrillo, mezclando conceptos antagónicos para generar opiniones (aún) más extremas.

En realidad tampoco todo el álbum rezuma parodia, ya que la mentada madurez no sólo se refleja en la producción de Pablo Díaz-Reixa alias El Guincho (que aunque muchos lo pensarais, tropicalismo cero). Tampoco es que pierdan el punto de hijoputismo, pero quizás sí el macarra, el más chulo. Vamos, lo que les hacía estar a la cabeza del indie madrileño. ¡Hasta les sale la vena crítica en Los tecnócratas! ¡O romanticona en Untitled! Lo que, eh, no es para nada criticable, especialmente cuando la mayoría de temas tienen una vuelta de tuerca.

Los Punsetes hay tanto que tomárselos a coña como no. La supuesta madurez del disco serpentea entre dardos de brutal sinceridad a veces de todo menos madura (o al menos lo que entendemos socialmente). Y aunque muchos echarán en cara la pérdida de frescura, la esencia de su marcada personalidad sigue presente, pero como todo, la evolución forma parte de la vida, y no es sano quedarse estancado. Lo que en el arte se torna en poco menos que imprudente. ¿Y qué pasa con el reto del tercer álbum? Superado, claro.

Puntuación: 7,75

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Tercera ronda de consejos para la locura de artistas que es el Primavera Sound. Finalmente tomamos a cinco artistas a los que pocos ponen ya en duda. ¿Un disco medriocre? Lo tiene cualquiera. ¿15 años sin publicar nada? Algunos no lo necesitan.

Mazzy Star

Uno de los comeback más esperados. Hope Sandoval y David Roback vuelven dieciséis años después de su tercer disco sin, en principio, material nuevo bajo el brazo (aunque hace años se habló de que él estaba componiendo), lo que por otra parte tampoco nos duele. Con ese escueto repertorio nos sentimos más que satisfechos, ya que hablamos ni más ni menos de auténticos himnos intemporales que ponen la piel de gallina y que han servido de inspiración para un buen número de artistas (sí, la voz de Lana no es tan ‘única’). Y hay drama: coincide con Death Cab for Cutie.

Jeff Mangum

De acuerdo, dos únicos discos, pero si su vuelta al mundo de los vivos causa tanto revuelo será por algo. Y para muchos es incluso sólo un disco, el mítico In the Aeroplane Over the Sea. Un disco, pero vaya disco. Marcó un antes y un después en la escena indie lo-fi y es probable que lo interprete casi en su totalidad. El concierto se celebra en el Auditori, y para asistir hay que estar a partir de las tres del sábado y domingo (toca dos días) para poder pillar los tickets. Un pequeño esfuerzo que sin duda merecerá la pena.

Saint Etienne

Otro drama: como ya comentamos, coincide con Chromatics. La elección depende en como tengamos el cuerpo. Unos preferirán dejarse engatusar por las atmósferas sonoras de Jewel y cia., y los que tengan el cuerpo para la fiesta, tendrán en el grupo inglés la opción petarda pop más saludable. No faltarán clásicos incunables y además presentarán nuevo disco. Y quien haya estado en algún directo sabe que acabar con una sonrisa de oreja a oreja y una sensación de buen rollo es lo que se estila. Una apuesta segura.

Spiritualized

Como experiencia personal, vi a la banda de Spaceman hace tres años en el SOS 4.8. Sus discos, aunque de calidad, me resultaban algo espesos y a la mínima desconectaba (ya me podéis patear el culo). Sin embargo, fue llegar al concierto y todo cambio. Desconocía casi todo el setlist y digamos que tampoco se trata del show más movido que te puedas echar a la cara; y pese a todo quedé atónito. Sabe llegar al corazón sin empalagar, y darle caña a la guitarra cuando es necesario. Y qué decir de las coristas negras. Sus fans confían en un directo inmaculado y no se equivocarán.

The Afghan Whigs

Esta edición de Primavera Sound se puede autoproclamar sin problemas como la de los comebacks noventeros. Once años desde su desintegración, la banda de culto de rock alternativo se torna como imprescindible para los ‘puretas’ del género. El puntito negroide con la contundencia de su guitarreo hará las delicias para los que busquen una propuesta que se desmarque de la actitud indie predominante del festival. Como apunte, coincide con una de las grandes sensaciones modernas del año. ¿Basics o hipster? Tú eliges.

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Los advenezidos aventureros prevenientes de diferentes puntos de la geografía tenían otra cita programada para copar las cumbres del Valle Eléctrico. Una legión de intrépidos exploradores de lo sintético que esperaban con ansias su dosis de synthpop para satisfacer sus necesitades musicales básicas. Otro mes más la congregación fue total atraídos por otra lista interminable de artistas en directo y Dj. Para esta ocasión se oteaba en el horizonte a Daniel Van Lion, Peekmood y Trust en directo y Templeton, Antonna y su residente The Pony a los platos. Otro estupendo cartel y otra exhibición de buen gusto coronado por Trust, los canadienses, en su única actuación antes del Sonar de Barcelona, con uno de los mejores discos del año bajo el brazo.

Daniel Van Lion fue el primero el escalar las escarpadas cumbres poniendo en escena sus temas publicados en Bandcamp y Soundcloud, quien se hizo acompañar de la bella y esbelta Rocío, ambos al teclado y Daniel haciendo uso del Mac desde donde lanzaba las bases y melodías. Afincados en Madrid, su proyecto son uno de tantos que desde la capital se nos oculta, sin saber por qué, pero que Valle Eléctrico se encarga de rescatar para el deleite reciproco nuestro y del artista. Daniel Van Lion fueron hilando composiciones caseras, ingenuas y envenenadas a través de ritmos provenientes de las entrañas del post-dubtep y de la electrónica lenta y segura llena de matices cósmicos y envolventes plasmados en sus dos Ep’s hasta la fecha. Sus pasos fueron sigilosos, hondos y llenos de carisma gracias en parte a una Rocío sonriente que acariciaba y jugaba al teclado y a un Daniel en estado de gracia frente al teclado y frente al micrófono con su voz susurrante y atmosférica. Ritmos contundentes, lentos y sintetizador a raudales que es de lo que se trata.

Primer round con una masiva participación para la primera hora en la que estábamos y efusivo interés que enlazaba con Peekmood. Este es el proyecto en solitario de Coque Yturriaga, nombre tras el cual se escondía el proyecto Num9 o en Migala, siendo uno de sus 6 miembros fijos, pero qué importa, ha publicado un disco en solitario We press play y él quiere seguir por otra senda, la de la autopublicación y la experimentación sonora. Era su primera puesta en escena, en exclusiva para Valle Eléctrico en la que puso a prueba sus dotes para manejarse entre los arduos caminos de los sonidos sintéticos provenientes de su Mac, su controlador de efectos y controladores Midi. El resultado fue una exhibición de sonidos electrónicos, ritmos añejos e intemporales donde bien se podía bailar con ritmos breaks o dejarte llevar por la electrónica pura o IDM que tanto recuerdos nos traen y donde nos puso a prueba nuestra agudeza auditiva. Experimentación y sonido aperturista para la senda más sinuosa e intrincada del valle y donde intuimos que Peekmood se lo pasó bien, como nosotros.

Trust venían como cabeza de cartel y no podíamos evitar rendirnos antes la cualidades de los canadienses para conjugar lo sintético, lo gótico en una mezcla donde seguramente Marilyn Manson sería uno de los ingredientes secretos. Faltó Maya quien ha dejado el grupo pero igualmente su cantante Robert Alfons puso toda la carne y voz en el asador. De aspecto frágil y lechoso no creía que de Robert no saliera ese vozarrón hasta que lo pude comprobar, que por otra parte es la seña de identidad de su disco de debut TRST. Lleno hasta la cima y Trust deleitándonos con un directo casi a modo de sesión de su debut, el Valle se volvió brumoso, oscuro, sudoroso al compás enérgico de todos los asistentes que saltábamos, bailabamos y disfrutábamos de la algarabía propia de uno de los mejores discos de lo que llevamos de año. Robert estuvo disfrutando y no dudaba entrar de vez en cuando en trance cuando el estribillo lo requería. Así sonaron This Ready Flesh, Shoom, Dressed for Space, Bulbform, F.T.F, y la más lenta del repertorio Candy Walls. Y por fin como os podéis imaginar, el segundo single y el baile externo e interno que provoca en nosotros Sulk, como colofón del directo en el que todo nuestro sudor se expulsó al unísono en una sincronizada pista de baile.

La fiesta siguió con Templeton, Antonna y The Pony con una variedad musical como el público que acudió al evento, sin excesivo recargamiento de gente pasada de raya moderna a favor de un público variopinto que acude por su interés común en el synthpop y en los nuevos valores underground de la electrónica de la capital y de España.

Solo queda decir que la próxima cita será el 28 de junio con más artistas inesperados, exclusivas y seguro que alguna sorpresa en el cartel.

Fotos: Juan Carlos Muñoz

Cicuéndez

Ahora que John Foxx, miembro fundador de Ultravox, y la formación casi original que no se juntaba desde 1986 están de vuelta (el primero con gira que recae en Madrid la próxima semana y los segundos con disco nuevo también este mes), todo lo relacionado con el grupo vuelve a estar de moda. Muchos sólo les conocerán de oídas, y es verdad que no calaron tanto como otros coetáneos estilo Duran Duran, pero sí que cuentan con una discografía muy interesante y una buena ristra de hits, como este The Voice.

Después de años de tomar referencias electrónicas de gente como Kraftwerk o estilos tan modernos como el motorik y fusionarlo con la new-wave, siguieron por derroteros más synth y new romantic, aunque sin olvidar sus orígenes, como en este tema, single principal de Rage In Eden del 81. Con el suficiente toque de grandilocuencia, algo muy del grupo (aunque sin el nivel de Hymn o Dancing with tears in my eyes), el tema tiene ese tufillo de los ochenta, pero sin apestar, por el que desde hace unos años los hipsters se vuelven locos (aunque luego ni zorra de quienes son Ultravox).

El tema y casi todos los que han protagonizado esta sección los tenéis en la lista de Spotify de ‘Hit & Dance’.

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Aunque fuese (y es) considerada la reina de la música disco, un género tan caduco como disfrutable, el dance e incluso parte de la electrónica le debe un riñón, gracia a la enorme y orgasmática I feel love. En realidad se lo debemos a Giorgio Moroder, pero que hubiese sido de él sin la voz y personalidad que reventaba las pistas de baile en los setenta. Porque Donna era la perfecta marioneta, en el mejor de los sentidos (aunque participaba en parte de las composiciones). Y tal himno no habría sido el mismo sin una interpretación cuasi experimental acorde con un envoltorio sonoro absolutamente innovador. Y aunque después de este tema el disco siguió triunfando (Bad Girls es posterior) simbolizó la primera puñalada al género. Algunos dirán que hasta la propia cantante firmó su sentencia de muerte. Este hito supuso la evolución natural de un género a otro, y lo que normalmente se produciría gracias a un artista o grupo, o como mucho un álbum, en este caso algo más de siete minutos sirvieron para cambiar el rumbo de la música comercial.

Por supuesto hay más aportaciones de la cantante, especialmente la aparición de una figura que marcaría un antes y un después en lo que estrellas del pop se refiere. Las divas eran fundamentalmente del soul o quizás del pop melódico, pero había un nuevo pop que necesitaba alguien como Donna. Sin ser especialmente bella, sí que exudaba sexo por todos sus poros, especialmente en sus temas más sensuales; tomaba la potencia vocal de Arethas y similar y la integraba en un género casi huérfano de este tipo de voces; y por supuesto tenía la actitud para hipnotizar a cualquiera, sobre todo si se tenía la suerte de disfrutar de su directo. Los setenta fueron suyos, pero llegaron los ochenta y su luz se apagó en favor de otras popstars que nacían y triunfaban.

Y es que esa es otra: sin ella no habría Madonnas, Mariahs o Rihannas. A pesar de que muchos piensen que Madonna fue la primera, en realidad fue la que mejor se lo montó, generando un icono, pero si hablamos de lo estrictamente musical, Donna abrió la veda de la horda de zorras más populares que el mundo llegaría a conocer. Los maricas del mundo le debemos todo, las listas del mundo le deben todo, el pop le debe todo. Vale, quizás exagero, pero tampoco me alejo demasiado de una realidad que nunca olvidará el legado de Donna Summer.

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Después de una promoción algo chapucera, parece que Electra Heart está dando (más o menos) sus frutos. En Reino Unido se posicionó número uno en álbumes (aunque esta semana baje al 13) y el single Primadonna no le va del todo mal. Sin embargo si por colaborar con los productores de moda Marina and the Diamonds pensaba que lo iba a petar fuera de las islas me huelo que se va a quedar con las ganas. Y es que el mayor problema de Electra Heart es el sonido implantado en buena parte de sus pistas. Si valorásemos sólo este aspecto pordrían tratarse de la cara-f de un cuarto single de Britney o Katy. Ya me imagino a Dr. Luke: ‘Hola Marina, aquí tienes los restos que Ke$ha no quiso. To’ pa’ ti, guapa‘. Y es que aparte de las sobras, el afamado productor o Diplo se crecen cuando se dejan llevar por el exceso y el histrionismo, pero a Marina ni ellos ni nosotros la vemos con un envoltorio al estilo Femme Fatale.

Marina se muestra mucho más comedida, ya que sus letras no hablan del ciego de ayer, sexo guarro en los baños de la disco o simplemente tetas. La lírica y los temas tratados son bastante más sofisticados y elaborados, como ya comprobamos en su debut (tampoco es que hable de Proust), por lo que la producción de feria se revela como un intento forzado de éxito a toda costa. Las melodías por suerte también siguen siendo uno de sus baluartes a reivindicar, salvando buena parte de las canciones.

Al final tenemos buenos temas pop que crecen con las escuchas. Blubblegum glitch, a pesar de esas guitarras y batería rockeras wannabe, es tan rabiosamente pegadiza que no se puede obviar (a pesar de cierto carácter irritante). El primer single Primadonna resulta aceptable como tercero, pero no para presentar el disco. Homewrecker es cachonda por su temática de zorra destroza hogares, aunque duelan los oídos con su ritmo machacón. De nuevo buenas melodías y letras resultonas como Lies o The state of dreaming se arruinan por el aire a medio tiempo electro r’n’b de cualquier diva negra americana de la década pasada. Fear and loathing e Hypocrites son medios tiempos con alta carga emocional, y en el caso del primero con uno de los mejores diseños de sonido del disco, atmosférico y sugerente. Se echa en falta Radioactive, solo incluida en la edición deluxe, que a pesar de los reiterativos Stargate enganchaba.

Sin haber ningún bombazo (tampoco lo había en The Family Jewels), sí que mantiene una buena media y casi ningún corte es prescindible. Pero Marina, no fuerces la máquina y sé tú misma, no necesitas de un supuestamente impresionante background, porque ni eres una diva ni ellos creen que lo seas (tampoco lo necesitas). Y tampoco hace falta que aparezcas como un cuadro en vídeos y entrevistas para resultar la más guachipeich y en realidad quedarte a medio gas. Para hacer la payasa ya tenemos a la Perry.

Puntuación: 6,5  | Escúchalo: Spotify

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Con aires al lado más pop de Spiritualized (con los que comparten cartel), la letra no se anda con rodeos y retrata la mortal rutina del mundo moderno, que nos anestesia hasta llegar al día que somos conscientes de que con un poco de cariño y amor nos conformamos. El dúo no se escuda en metáforas o simbolismos manoseados para reflejar lo que la mayoría hemos sentido alguna que otra vez. En cuestión musical, la melodía es preciosa y triste, y el in crescendo, aunque parezca que vaya a acabar en coro góspel (pegaría, ¿verdad?), nunca llega a estallar como es de recibo con un tema como éste; porque la frustración vital no suele terminar en lágrimas. Una agridulce delicia que esperamos que compartan con nosotros en directo.

Como siempre, os dejamos con la lista de Spotify de ‘Bigger tan life’, que incluye este tema y otros muchos más en año y pico de sección.

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Esta semana será inolvidable para muchos fans de Coldplay, que verán sus sueños cumplidos de poder disfrutar en directo de su banda favorita. Y cada vez que se habla del éxito masivo de Martin y su troupe siempre me acuerdo de Doves. Por qué os preguntaréis. Bueno, entre ambas bandas podemos contemplar varios paralelismos, y el más evidente, al menos en sus segundos y terceros discos, es el gusto por el pop-rock de estadio y mecheros. Sin embargo las dos bandas tuvieron un debut más comedido salvo algún ramalazo épico como Yellow o The cedar room, para lanzarse a la piscina en el segundo. Por otra parte, sus tres primeros discos aparecieron en el mercado los mismos años con pocos meses de diferencia. En Reino Unido Doves sí que obtuvieron bastante repercusión, con un par de discos en número uno y algún top 10 en singles, aunque a la sombra del boom de Coldplay. Sin embargo fuera de las islas… sonido de grillos.

¿Cuál fue la clave del éxito de unos y no de otros? Puede que Chris Martin, un chico mono, joven y con carisma que como frontman no tenía precio (aunque hayamos acabado un poco hasta el gorro), frente a un Jez Williams muy ‘el vecino simpático de al lado’, pero quizás no apto para reventar estadios. Quizás EMI, que ambos compartían aunque en diferentes sellos, atisbó un negocio mayor apostando más por Martin. También es verdad que Parachutes tenía más hits claros que Lost Souls, algo que Doves resolvió en The Last Broadcast, que fue sin duda su disco con mejor recibimiento, que contenía la conocida There goes the fear, y que daba mil vueltas al también notable disco de Coldplay. Con el tercero, algo por debajo pero buen trabajo al fin y al cabo, tampoco lograron como era de esperar eclipsar a X&Y. En Kingdom of Rust, el último hasta la fecha, dejaron la lucha y abandonaron su faceta stadium pop para tomar un camino más intimista y menos supeditado al mainstream.

No sería por calidad o potencial, pero como siempre digo, el mundo del pop es cruel, y no atiende a calidad sino a otros valores quizás menos importantes, sin desmerecer a Coldplay, que sin ser la panacea se trata de un grupo majo. En Spotify tenéis a vuestra disposición toda la discografía de Doves, tanto para los que queráis rememorarla como los que nunca hayáis tenido el placer de escucharla. Porque si te gusta Coldplay te gustará Doves.

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Después de los debutantes, entramos de lleno con los consolidados, artistas que ya llevan unos cuantos discos haciéndonos disfrutar e incluso soñar. Por supuesto, hay muchas más opciones ha tener en cuenta, pero la vida es dura y toca elegir, y sobre todo, asumir las pérdidas (si no las asumes, el Primavera Sound no es tu festival).

Chromatics

Aunque este 2012 hayan vivido un pequeño boom, la banda de Johnny Jewel tiene suficiente bagaje a sus espaldas como para considerarla en el grupo de los asentados. El que quiera embarcarse en un paisaje nocturno e intrigante tiene en Chromatics la elección más adecuada, aunque la opción fiestera de Saint Etienne tampoco es moco de pavo. Depende del ánimo y necesidad del momento, pero las guitarras sinuosas y los teclados orgánicos son reclamo suficiente para pasarse por el escenario Pitchfork (¿no sería más adecuado el Ray-Ban?).

Beach House

Hoy reseñamos el enorme Bloom, y por supuesto Victoria y Alex no podían dejar de aparecer en esta modesta pero estimulante lista. Paisajes ensoñadores en uno de los directos más ansiados del festival, con las expectativas por las nubes. ¿Estará a la altura del disco? Los que ya les han podido catar años atrás apuestan por un sí rotundo. Mucho se tendrían que torcer las cosas para no acabar levitando.

The War on Drugs

A pesar de su coincidencia con The Cure, la banda de Kurt Vile se ha ganado la etiqueta de concierto casi imprescindible (además, Smith y compañía tocarán un par de horas, así que todo es repartirse). Tomando elementos de míticos como Bob Dylan, My Bloody Valentine o Arcade Fire, The War on Drugs conjugan el intimismo y los himnos sin despeinarse, sin forzar la maquinaria, fluyendo naturalmente. Y conociendo el directo de Vile, esperamos lo mejor. Seguro que no nos arrepentimos de perdernos unos minutos de The Cure.

The xx

Muchos tildaban a la banda de floja sobre el escenario. Sea como fuese, ha pasado un tiempo desde aquel exitoso debut (uno de los mayores booms del indie) y las opiniones varían y su madurez musical ha crecido (especialmente la de Jamie XX, también en solitario en el festival), por lo que se espera de todo menos mediocridad. Y no hay que olvidar que presentarán nuevos temas de su segundo disco, así que el escenario Mini se convertirá en una cita ineludible para los que esperen tanto alabarlos como despellejarlos.

Laura Marling

A pesar de la hora (sábado 17:15: cansancio y resaca acumulados de varios días), la buena de Laura se torna como una opción a considerar para los que pretendan empezar la jornada con calma y sosiego. Su folk pop de raíces norteamericanas (aunque ella sea inglesa) cuenta con la suficiente entidad emocional como para disfrutar de una entusiasta sobremesa. Y además con aire acondicionado, ¿qué más se puede pedir? Rezar para que no haya mucha cola para acceder al Auditori.

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