Agradecemos a John Talabot que haya dejado caer su larga duración en estos meses invernales donde un poco que calor musical -a falta del humano- siempre es bien recibido, otra manera lo habriamos llamado hasta oportunista. Y es que una cierta etiqueta de músico house de playita y veraneo no se le ha quitado -para bien- tras sus fantásticos anteriores Eps donde hacía alarde de un misticismo nocturno-veraniego que miraba a las olas del mar como el que mira a su cubata.

Muchos dicen que “por fin” John Talabot saca un larga duración, y bien se lo agradecemos, pero alejarme de esta alegría desbordada no me impide defender de igualmente a un artista que sólo se dedica a sacar Eps. Dicho esto ƒin es un buen disco de principio a fin, que, como en muchas ocasiones ocurre, se aparta un tanto del estilo que le dio la fama para dar rienda suelta a otras melodias de medio tempo que cubren el espectro horario de una noche de verano desde la noche hasta la siguiente. Quien quiera encontrar hits para su discoteca personal decirles que no les será fácil toparse con su temazo instantáneo y que más les vale una escucha más atenta para encontrar el ritmo que les haga mover antes del hit fácil e instantáneo. Si bien Journeys, con vocales de Ekhi (de Delorean) con un toque bastante Animal Collective y donde aparecen el influjo de los ritmos tribales, nos sirve para desengrasar el esqueleto. When The Past Was Present se acerca al house clásico con trucos electrónicos a lo Fout Tet y cierta melancolía de droga blanda que harán que te quedes hasta la última canción del after y que no te arrepientas por ello. So Will Be Now arremete contra el house más retro con sonidos muy LFO y con la participación de Pional con una voz en soul que le da alma al tema.

ƒin nos confirma las posibilidades de un artista para estirar la escena house de club y sus más influiencias soul a terrenos propios y abandonar la catársis de una escena demasiada trillada por la influencia del minimal o del techno. Además no nos cabe duda que un público más indie también sabe apreciar los diferentes matices a los que está sometido, porque mucho en ƒin tiene tintes chillwave como en El Oeste o la ochentera Oro y Sangre o Estiu. Sin embargo, el éxito de John Talabot erradica en un ambiente poliédrico y lleno de coherencia musical, resumido de electrónica suave de delicados ritmos bailables house con una mentalidad muy pop a partes iguales y con una influencia soul y un tufillo retro acentuado.

Ritmos sacudidos por una brisa marina, a veces más fuerte y envenenada y otras veces delicadas y envolventes. Es de agradecer que no llene el espacio de un larga duración con los temas que ya ha publicado anteriormente, eso se llama un LP y un debut como dios manda.

Puntuación: 8,9 / 10 | Escúchalo: Spotify

Cicuéndez

Los estrenos de los vídeo de Give me all your luvin’ y Bad Girls vuelve na poner en boca de todos a M.I.A. después de un tiempo sin novedades palpables. Sin embargo hay que ser sincero y tirar de clichés: cualquier tiempo pasado, y más en la discografía de la tamil, fue mejor. Si su último disco ya nos dejó algo fríos, el nuevo single ni supone una revolución ni un pop hit, y su colaboración con Madonna se queda en anécdota.

Por ello recuperamos Hombre, un auténtico rompepistas de 2005 perteneciente a su histórico Arular y que hacía del concepto ‘aldea global’ algo mucho más cool de lo que Amparanoia pueda jamás llegar a ser. Y aunque el disco suele tirar por los cerros de la inteligencia y sofisticación lírica, este corte prefiere calentar al personal con picaresca y sudor. Vamos, ideal para arrimar cebolleta (los exóticos ritmos también ayudan). A pesar de su condición de single, nunca fue de los más populares entre el populacho, aunque sí entre los fans de una mujer tan jodidamente interesante en el pasado como algo intrascendente a día de hoy. Esperemos que el nuevo disco nos haga recuperar la esperanza.

jarto

Si la escena madrileña pedía a gritos espacios donde las propuestas pudiesen ser contempladas en un ambiente reposado e íntimo, son varias las nuevas ubicaciones que están naciendo. Café Berlín acogió el que posiblemente sea el concierto de menor aforo de su pequeña gira española, con una asistencia inferior de cien personas. Esto fue toda una bendición para el público congregado, encantado de poder ver en estas lujosas condiciones a la formación americana, presentando su primer trabajo bajo Sub Pop.

El proyecto del cantautor Jason Quever está configurado como una explosión de dream pop asentada en la tradición de la nueva americana, como el retiro espiritual de Beach House en la morada apesadumbrada de Cass McCombs escuchando como banda sonora los primeros trabajos de The Felice Brothers. De una suma belleza a la hora de visionar las composiciones, se fagocitan en atmósferas ondulantes y ensoñadoras que rezuman mimo y paciencia. Acompañado de una banda notablemente más joven que el cantante, Quever vibraba en el directo. Su voz se mimetizaba en el conjunto, evocaba en susurros recuerdos de sus vivencias, rugía emocionado en los momentos álgidos y sin titubear, sin apenas moverse de su posición, consiguió llenar de melancolía el concierto completo, alternado temas livianos con tramos solmenes.

Frankie Koeller, su bajo, se mostraba afable y gracioso. Varios fueron los momentos que el discurso venía marcado por unos estimulantes teclados dignos de Camera Obscura bajo el punto de mira de Real Estate.  Un repertorio centrado en Fading Parade, con una sinergia formidable con su batería y teclista, profundizando en los paisajes sureños cálidos y sugerentes, sutiles, reminiscentes, donde pasaron Chrills, Don’t you really wanna know, la deliciosa y cautivadora Do what you will o I’ll see you later I guess, controlando en cada momento la intensidad agridulce de su resultado. Fue en el bis, cuando pudimos ver a Quever desnudo, sin florituras, con alguna interrupción por los miembros de la banda bajo el imperiosa necesidad de fumar o continuar con la copa, pero fue el broche de oro a una velada encantadora. Papercuts representa música para deleitarse, para el disfrute de una tarde de domingo y consiguieron que la monotonía que pueda suponer escuchar sus LPs de corrido se fulminase. Tanto fue el viaje de placer, que su concierto de menos de una hora se nos hizo rematadamente corto.

Tito Manu

Fotografo: Manuel Sánchez

En esta locura de semana en la que Lana del Rey, con permiso de Madonna, es la gran protagonista, nunca está demás recordar que la neoyorquina no ha inventado la penicilina. Una de sus grandes influencias, que no parece haber mencionado en entrevista alguna pero que resulta del todo evidente, es el heartbreaker Chris Isaak. El álbum al completo desprende la calurosa, melancólica y sensual luz del Isaak más intimista. Y qué decir de Blue Jeans, una (gran) actualización circa 2011 del gran hit del artista: Wicked game.

El delicado tempo del tema se combina con una producción elegante y  un sentimiento de sensiblidad extrema sin perder ápice de la masculinidad innata de Isaak.  La lírica no cuenta nada que no haya sido plasmado millones de veces, pero aquí lo que prima es la forma y como potencia hasta la temblor de manos el contenido (‘The world was on fire and no one could save me but you’: escalofrío). No hay que dejar de hablar del icónico vídeo playero con Helena Christensen dirigido por el mítico y ya fallecido Herb Ritts (Cherish de Madonna fue la contrapartida jocosa). Aunque para icónica su presencia en la banda sonora de Corazón Salvaje de Lynch. Y además últimamente hemos podido escuchar covers de Chairlift o Washed Out (e incluso él se ha pronunciado sobre el tema). ¿La vuelta del sad core? Esperemos que Chris se vea beneficiado.

jarto

Islands es una formación canadiense nacida en 2005 con tres discos en su haber y uno a punto de caramelo. Con una volubilidad de miembros bastante alta (unos Sugababes a lo indie y masculino), la banda recibió excelentes críticas con Return to the Sea, álbum debut que data de 2006. Incluso miembros de Wolf Parade y Arcade Fire se percataron del talento de estos chicos y acabaron aportando su granito de arena al conjunto. El resultado fue un disco con la sencillez por bandera en forma de folk pop e indie pop con enormes canciones como Human o Volcanoes, con los singles Rough gem y Don’t call me Whitney, Bobby a la cabeza. Música simpática pero para nada intrascendente.

Las cosas se vinieron abajo con un segundo disco titulado Arm’s Way de 2008 donde prefirieron explayarse con el indie rock, aunque de una manera un tanto forzada, hasta impostada.  ¿La causa? La marcha de Jamie Thompson, miembro fundador. El disco tenía sus momentos, pero el encanto pop de su debut quedó relegado por un guitarreo de postín que por momentos recordaba a Kasabian o bandas del calibre, aparte de una instrumentación de cuerda algo desconcertante e incoherente con el conjunto. La crítica, que no perdona una, se deshizo de ellos cuando aún tenían mucho que decir.

Con la publicación de Vapours en 2009 volvieron al tono del primer disco, algo  menos buenrollista, pero con la esencia original gracias en parte al regreso de Thompson. Sin llegar a la frescura del primero, la banda dispensó un gran trabajo. Se introducen elementos como teclados y nuevos arreglos, conformando un sonido más complejo que el debut, pero con la esencia de la sencillez honesta y sin pretensiones intacta. Temas como el homónimo, No you don’t (con clip protagonizado por Michael Cera), Switched on o Devout así lo demuestran.

A día de hoy se disponen a lanzar su cuarto trabajo A Sleep & A Forgetting, que ya cuenta con portada, fecha de salida (14 de febrero) y single. De primeras parece que su propuesta se ha tornado más melancólica y hasta lo-fii, muy en la línea de Girls. En poco más de dos semanas veremos si el cambio ha sido en realidad tan marcado. Y por supuesto, la mayoría de medios y público prescindirá de sus servicios de nuevo. Puedes escuchar sus dos primeros discos en Spotify.

jarto

Dolores se han posicionado en menos de un año como una de las formaciones madrileñas con mayor proyección y este rumor se manifestó en un concierto con todas las entradas vendidas, con un gran aforo del entorno familiar de sus componentes e incluso la madre de su cantante estaba posicionada en las primeras filas.

Cerdito fueron los encargados de abrir la velada. Desconocidos por muchos, a base de riffs de guitarras y cajas de ritmos lanzadas al espectador, su engranaje sonoro resultaba extremadamente falto de una identidad clara. Reverberaciones a Maga en los momentos más vocales, con una voz bastante parecida a Nacho Vegas y  explosiones de improvisación noise rock semejantes a nudozurdo con cierta luminisidad, marcaron un directo llamativo pero notablemente disperso. El dúo demostraba la efusividad de acudir a la velada, con muy buenas intenciones y una cimentación de las composiciones efectiva, pero poder observar tantas similitudes embebidas en la misma propuesta, lograba un resultado contraproducentemente monótono que diezmaba su interesante discurso.

Llegaron Dolores y un aforo cada vez más familiar se adueñó de las primeras filas. Una situación entrañable y agradable, ver cómo van creciendo bandas con el apoyo y respaldo de sus amistades, siempre genera un halo de confort, que en el caso de la banda madrileña resulto adverso. Comenzaron con KRD para continuar con Fiebre De y Temblor. Bajo una batería que sonaba poderosa y riffs contudentes muy en sintonía con Odio París, su alegato de shoegaze pop adquiría grandilocuencia en los momentos más épicos, demostrando el  poso en el que se fundamenta su propuesta. Sin embargo, pese a estas premisas, se mostraron tímidos y nóveles en la primera mitad. Las dotes vocales en muchas ocasiones se veían apantallados por el enramado instrumental. A ello, hay que añadir sus similitudes con Sibyl Vane, esa forma de articular pop con noise y punk, que se enfatiza en temas como No Hay Lugar o Nicho/Loft, que piden una entrega en el escenario más enérgica.

No todo estaba dicho, y a medida que el metraje continuaba, se sentían más seguros de sí mismos. Realizaron un dulce versión de Monaguillos y, desde ese momento, todo cobró sentido, además de que tenían en su manga los dos singles presentados, que son sus mejores composiciones. Volcan es pura adrenalina de punk pop delicioso y Cortafuegos, donde Dolores controlan el ritmo a la perfección y demostraron que son temas fruto de un largo proceso de trabajo. Vibrantes, intensas. Un buen final, para despedir a una banda que si lima sus asperezas, conseguirá el puesto que formaciones como Sibyl Vane no lograron. Ahora, sí es el momento.

Tito Manu

El día ha llegado. El redebut de Elisabeth Grant, más conocida como Lana del Rey, acaba de aterrizar con una doble estela de alabanzas y destrucción como hace mucho que no se recordaba. Que si es auténtica, que si es comercial, que si es indie, que si vaya mierda de directo, que si sus labios son de goma, que si es la última venida de Jesucristo. Puñaladas y pétalos a tutiplén. Lo que cuesta olvidarse de la parafernalia que ciertos artistas generan, ¿verdad? Llega el momento de enfrentarte a lo que verdaderamente importa, su trabajo, y es harto complicado preservar una actitud desprovista de meses y meses de noticias y opiniones de lo más eclécticas. Por suerte el que suscribe ha intentado mantener la compostura ante tal nivel de radicalidad, como se intentó plasmar en este post. Pros y contras, como casi todo en esta vida. Y Born to Die lo cumple.

Aunque la mayoría de canciones se han ido filtrando durante las últimas semanas, empecemos por el primer cuarteto, que está formado por los cortes ya publicados de una manera legal. Qué decir de Video games, uno de los hits del pasado año: sigue resultando tan majestuoso y bonito (sí, bonito) como antaño.  ¿Quién se puede olvidar de ese aire cinematográfico tan 60’s? Blue jeans, aunque sin la pegada comercial de su hermana mayor, se presenta tan enorme, sensual y emotiva como ésta, como si Chris Issak hubiese renacido en forma de mujer. Ambas canciones ya demostraron en 2011 el buen gusto sonoro de la chica (o de su equipo); y es que los arreglos son una maravilla, algo de lo que también hacen gala el resto de temas, aunque a veces pequen del síndrome del calzador (hay que alardear de producción cara). El tema homónimo toma influencias de los orígenes del trip-hop que se dan la mano con una preciosa melodía y frases tan icónicas como ‘déjame besarte bajo una lluvia torrencial’. En Off to the races relega el aura de glamour romántico para revolcarse en cierta sordidez, demostrando además un registro vocal entre el descaro y la ‘niña tonta’. Porque aunque no destaque por una gran potencia vocal, en un solo disco ha demostrado una versatilidad que ya le gustaría a muchas gritonas.

Otro cambio de registro es el rap-pop de aire noventero National Anthem, un caramelo placenteramente pegajoso, con estribillo cheerleader incluido, que alguno desechará por clichés líricos como ‘el dinero es el himno del éxito’. Efectivamente, las referencias a la Norteamérica más decadentemente tradicional, los sueños perdidos, el Hollywood melancólico o el recuerdo de las viejas glorias de la nación son constantes y se ven también reflejadas en su estética (esos labios nunca fueron gratuitos), aunque en ciertos pasajes se deje llevar por los lugares comunes más trillados que uno pueda imaginar. Lo mejor y lo peor es que dependiendo del contexto musical pueden sonar a gloria o descaradamente ridículos. Sí, al final parece que hay paralelismos entre los radicalismos populares y determinados elementos de su obra.

Tal conclusión también se puede tomar al comparar la primera y  segunda mitad de Born to Die. El descenso del carácter catchy en la segunda es considerable. ¿Nos encontramos ante una popstar del montón? ¿Cuatro singles maravillosos y el resto mediocre? Tampoco, pero se acerca. El talante satinado y glamuroso no es capaz de salvar todos los números, como en Dark paradise, que suena a remedo de los cortes ya escuchados. Cierta sensación de deja vu fallido invade esta sección, como también sucede en Carmen y su halo noir, o el intento de Gilda en Million dollar man. Canciones que tampoco molestan, pero que desinflan el hype. Radio roza la ñoñería diabética, y sin embargo es una pieza bastante sólida que sobresale entre sus compañeras aledañas gracias a un concepto melódico brillantemente hilado. El tópico del final del amor de verano de Summertime sadness se ve favorecido entre los sutiles arreglos hip-hop y la desesperación lírica e interpretativa, mucho más honesta y convincente que en otros temas.

¿Quién tiene razón? ¿Súbditos o enemigos? Una cuchadarita para unos, una cucharadita para otros. El disco como conjunto planea entre el aburrimiento engalonado y la brillantez y emotividad pop, pero la balanza acaba inclinándose hacia la categoría de trabajo notable (de acuerdo, una cucharadita más para los súbditos). ¿Hay futuro para Lana? Imagen y ambientación tienen fecha de caducidad, por lo que o el siguiente álbum es redondo o adiós muy buenas. El público es cruel, y los talifans son volubles, aún se desconoce la reacción del público comercial (tampoco hablamos de un producto como Adele) y gran parte de los indies se la tienen jurada. Olvidándonos de reacciones sociales varias, Born to Die se presenta como un disco con carencias pero perfectamente disfrutable, que puede presumir de pasajes realmente majestuosos. ¿Born to die? Por ahora no le ha llegado la hora. En un par de años ya se verá.

Puntuación:  7/10 | Escúchalo: Spotify

jarto

Una de las nuevas confirmaciones que el SOS ha dado a conocer esta semana es Meneo, el proyecto de Rigo Pex que se caracteriza por su electro tropical desenfadado con empaque bitpop. Si Nicki Minaj nos flashea con su epilepsia multicolor estridente, Meneo no se queda corto tanto en lo musical como en lo visual. Papi se proclamó single de su disco de 2009 Santa Nalga, y como podrás comprobar si pulsas play, un tsunami de sensaciones encontradas arrasarán tu sistema nervioso.

Pex desafía los convencionalismos de la música de baile para directamente reírse de ellos, a modo de parodia de los tópicos de la música latina que en la mayoría de los casos se toma demasiado en serio (parir mierda y creerse lo más debería estar penado por la ley). Al ritmo de ‘Tremendo Papi’, los ritmos desencajados y un sonido digno de la Nintendo Nes, dinamita la pista de baile sin concesiones. Un exceso de supuesta anarquía revestida de modernidad que repelerá a muchos pero atraerá a otros tantos en el concierto del festival murciano, donde presentará su maxi Lerele, primera publicación para Subterfuge. La fiesta estará servida. Otra cosa es que aguantes hasta el final.

dyorch

Labyrinth Ear es un dúo formado por Emily y Tom que, de nuevo, recuperan los ochenta en su vertiente más Manchester, con los incombustibles New Order en sus mejores años a la cabeza. Nada nuevo bajo el sol, verdad, pero es que toparse con algo realmente nuevo que no huela a reciclaje se convierte en un acontecimiento casi utópico, por lo que generalmente tenemos que conformarnos con revisiones como la que nos acompaña. Una revisión en este caso muy bien ejecutada, hay que aclarar.

Chica y chico, los dos muy modernos y nerds como podéis comprobar en la foto y en la galería de su web oficial, que es probable que se conviertan en una sensación tan pasajera como disfrutable. Por ahora se disponen a publicar el 7 de febrero su primer EP Apparitions, del que podemos escuchar el primer single con vídeo incluido. Un buen aperitivo que se une al también notable Humble bones, otro tema también disponible para testear, por lo que esperamos que los otros dos que componen el corto estén a la altura.

Resulta más que evidente que sin contar con una imagen rompedora y de claro corte low cost, sí que la cuidan, muy del gusto hipster actual, lo que reconfirma su carpe diem musical que en el futuro les puede pasar factura. Por ahora que disfruten con lo que tienen y nosotros bailaremos al ritmo de su nocturnidad sintética y la aséptica voz de Emily (que por cierto recuerda en demasía a otras voces del género electrónico pop).

jarto

Fiona Apple vuelve al estudio. Con sólo tres álbumes en dieciséis años, la noticia ha caído como una bomba para los fans de una artista tan escasamente prolífica como asentada. Pocos pueden decir lo mismo (es la Terrence Malick de la música).  Celebramos su regreso con este Bigger than life, y algunos se preguntarán porqué. De primeras formó parte de una generación de mujeres que a mediados de los noventa asaltaron las listas, de las que muchas se quedaron en el camino. Desde ejemplos descaradamente comerciales aunque notables como Sheryl Crow o Alanis (nos guste o no, Jagged Little Pill marcó a una generación) a otras de corte más alternativo como Tori Amos o Cat Power.  Fiona Apple se encuadraría dentro de las segundas, aunque sí que gozó de más popularidad que algunas de ellas.

La delgada chiquilla representaba la reivindicación feminista tan de los noventa que a veces chirriaba (Meredith Brooks), otras divertía pero resultaba vacua (Spice Girls) y en ocasiones se exageraba de manera simbólica (Thelma & Louise).  El caso de Fiona se balanceaba entre la sutilidad y la elegancia y la provocación y el descaro, como en Criminal de 1996, su mayor hit hasta la fecha, que tiraba del tópico de la chica mala que se aprovecha de un pobre chico, presentado a modo de confesión. Una melodía magnífica y una producción que a diferencia de otras coetáneas no desentona a día de hoy, se completaba con un vídeo a cargo de los de los mejores representantes del ámbito audiovisual de los noventa: Mark Romanek. En resumen, todo muy icónico de una década que, como todos sabemos, está de moda.

dyorch